ENTREVISTA: SEBASTIÁN ROMO

__ 55 dias Atrás

Sebastián Romo es un artista mexicano que ha trabajo diversos conceptos a lo largo de su producción artística. Sus obras, algunas veces, pueden parecer disímiles entre sí, pero hay nociones que resultan dominantes y me pareció interesante entrevistarlo para explorar un poco más acerca de esto.

Entrevista realizada vía e-mail.

Texto por Alexia Tala

Alexia Tala: Si bien algunos autores mencionan parte de tu trabajo como inscrito en elland art, a mí parecer y entendiendo que el land art se caracteriza porque usa el landcomo materia para producir obra o donde hacer intervenciones, -que a veces son documentadas- tu práctica estaría más asociada a un arte procesual que toma (no siempre) lugar en el landscape. ¿Cómo te sientes tú con respecto a esta clasificación que se hace de tu obra dentro del land art?

Sebastián Romo: El que se me clasificara como un land artist es un tema antiguo, las obras son de 1993-1996. Yo no me concibo ni entiendo como tal, fue una cosa que el filme también me dio, pero para mí lo importante era poder llevar acabo mis investigaciones paralelas, en escultura, fotografía, dibujo y construcción. Por aquel entonces me ganaba la vida como fotógrafo para una revista de viajes y organizando expediciones para crews fílmicos, así que también era una manera de trabajar en lo propio mientras se hacían otras cosas.

Para ser mas sintético: Me interesa la materia en el espacio, y el poder reconocer el contexto en el que se encuentra, conceptual y formalmente.

Trátese de paisaje, ciudad o museo.

AT: En las obras “Sin título” (caminar, buscar, destino y soñar) ¿cuál es la importancia de la intervención en términos de acción y en términos de registro? ¿Qué pasa con la fotografía que se exhibe? ¿Cuál es para ti la obra en este caso?

SR: Déjame empezar por decirte, que estos trabajos son ya de hace muchos años atrás. Que son parte fundamental de mi entendimiento y estrategia hacia el trabajo. Y que en concreto, la serie de palabras, sólo fue una mínima parte del trabajo realizado en el paisaje.

Esta serie en particular fue construida para ser fotografiada. La intención era relacionar el paisaje con la palabra. Durante los viajes se realizaron más obras, algunas escultóricas y otras experimentales, que resultaron en 15 intervenciones por mi parte y otras de Abraham Cruzvillegas.

AT: ¿Tus cuadernos de apuntes los ves cómo obras o más cómo un lugar de reflexión o cómo un complemento que sustenta el proceso de un “objeto” final, sea este fotografía, video, instalación, escultura u otro?

SR: Pienso en Sigmar Polke, y su obra “Higher beings ordered: paint the right upper corner black!”,1969.

Alexia, el proceso de investigación para mí siempre ha sido muy importante, mis cuadernos son contenedores, BIG BANGS y obras, constituidas por el proceso y la investigación, mi taller portátil y vertedero de futurables inconclusos, de errores irreparables y archivo. He tardado en aceptar que para mí, el proceso es tan importante como la obra misma, y es por esto que en las últimas exposiciones he intentado incluir el proceso como parte constelar y fundamental de una obra terminada. La cual puede llegar a ser autónoma.

AT: Algunas de tus intervenciones en lugares fuera de México, han buscado referencias locales como parte constitutiva de la obra (Komma, Manhattan Drawing #1, ¿Cómo ser los mismos siendo diferentes?, The center is not the center), probablemente varias de ellas han sido comisionadas. ¿Dirías tú que ese interés por sacar materia prima del lugar, viene incluido en las exigencias de esta comisión; es algo que surge de la praxis contemporánea del artista globalizado; o hay un interés innato en ti por permeabilizar tu trabajo con el espacio para el cual lo estas generando?

SR: Entiendo el Arte y el Viaje como mecanismos detonadores de conocimiento, experiencia y placer. Reuso la idea del artista globalizado, el interés por explorar y entender desde mi estrategia personal, (incluso íntima), siempre ha acompañado mi vida más allá del trabajo. Tal vez por eso me gustan estos artistas que cambian de soporte y de medios todo el tiempo, (como un viaje) aquellos que parecen entender que la vida no se adhiere a un sólo soporte o técnica y que todo el tiempo están buscando y encontrando.

Para Komma lo que tenía muy claro era que no quería llevar un sello, una firma o un ¨estilo¨ y simplemente trasladarlo. Como se hace cuando las ciudades compran un Chillida o un Lichtenstein, en México: Sebastián. Parecen más monumentos al artista que al lugar o a la gente que tiene que convivir con ellos.

Para mí, es fundamental que la obra tenga una relación con el lugar en donde se encuentra, más aún cuando se trata de trabajos para el espacio público. En este caso cuando las obras logran dejar de ser una referencia en la ciudad y transformarse en un punto de reunión o en un punto de reflexión, que amplia las posibilidades de aproximación al sitio; es cuando las considero exitosas.

AT: Tu forma de producción de obra se apoya de una acuciosa investigación, tienes varios cuadernos de apuntes donde escribes, reflexionas, dibujas, recortas, pegas, boceteas, etc. Estos procesos son los que te llevan a la conceptualización de una obra. En el caso de obras producidas en viajes, ¿cómo funciona esta operación; es la experiencia la que dicta el camino que la obra seguirá?

Ser como el agua.

Generalmente parto con una idea, es ésta la que selecciona el lugar a donde ir, no obstante como en este caso (Bienal de Mercosur), el lugar me selecciona a mí. Hay varias ideas, y dejaré que el lugar me lleve.

Salir de viaje con una obra cien por ciento resuelta se vuelve display, montaje o escenografía. Por esto me interesa tanto el espacio de DUDA, el perderse y el abrirse a lo que da el contexto. Para aprender, para sumar a lo que ya se ha hecho, para recibir y pensar desde otro lugar.

Explorar, colectar, clasificar, construir, desde lo poético, desde lo personal, y desde el proceso formal y conceptual que lleve el trabajo en ese momento… Mapa tridimensional.